Вторая половина девятнадцатого века всецело принадлежала мастерам эклектики. Новые идеи черпали из смешения различных стилей, их повторения. Зрела необходимость создания чего-то принципиально нового, дарующего свободу от связи с историческим прошлым. Так стал зарождаться декоративно-орнаментальный стиль «Ар Нуво» — новое искусство.

В восьмидесятые годы черты стиля «Ар Нуво» стали просматриваться в работах художников, скульпторов. Мастеров вдохновляли растения. Именно флористический орнамент стал ключевым элементом стиля «Ар Нуво» , сделал его хорошо узнаваемым.

Вышивка Германа Обриста «Удар бича».

Эталоном стиля стали плавные изогнутые линии вышивки Герман Обриста под названием «Удар бича». Новое искусство полностью отрицало формы архитектурных стилей прошлого, вдохновляло на поиски новых причудливых декоративных форм, имеющих вид подвижных растительных мотивов, волнообразных и изогнутых линий. Линии зрительно сливались с элементами конструкций, органично сочетая в себе веяния Востока и стремление к конструктивности. В отделке отдавалось предпочтение стилизованному растительному и животному узору, линии которого мягко изгибались, были плоскими. Эти образы нельзя было сравнить с произведениями натурализма или историзма. Скорее они напоминали позднеготические формы и японскую живопись. Все эти черты очень быстро оформились в новый стиль, имеющий целый ряд отличительных признаков.

Стиль стремительно развивался и вскоре стал чрезвычайно популярным. Широкое распространение он получил не только в таких областях, как живопись и архитектура. Мастера оформляли помещения в стиле «Ар Нуво» , делали мебель и предметы быта.

Стоит отметить, что название «Ар Нуво» — по происхождению французское – является международным и наиболее известным. Однако в разных странах он получил разные имена. Так в России это был «Модерн», Германия дала ему имя «Югендстиль», Италия «Либерти», в Шотландии он известен как «Макинтош», а в США – «Тиффани».

Архитектор Виктор Орту

В архитектуре главенствовали текучие формы. Такой прием позволял возводить металлоконструкции в виде зарослей фантастических цветов. Основным отличием архитектуры модерна являлось сочетание эстетической красоты, создаваемой при помощи природных линий, с функциональностью здания. Первопроходцем направления в архитектуре можно считать бельгийского архитектора Виктора Орту. Именно он создавал проекты из металла и стекла, придавая железным несущим конструкциям форму фантастических растений.

Архитектор Эктор Гимар

Архитектор Эктор Гимар

Во Франции стиль получил распространение благодаря Эктору Гимару, спроектировавшему парижское метро. Полное отрицание всех представлений об архитектуре — в работах . Среди примеров — дом Мила Гауди в Барселоне. Архитектор успешно реализовал принцип архитектуры, сливающейся с природой. Создается впечатление, что автором проекта выступает сама природа. Стирая грани между архитектурой и скульптурой, он создает потрясающую фантастическую среду, архскульптуру. Таков его Собор Святого семейства в Барселоне, который так похож на живой организм.

Архитектор Фёдор Шехтель

Архитектор Фёдор Шехтель

Интереснейшей особенностью модерна является использование треугольных орнаментов, редкое сочетание овала с треугольником. Яркий пример применения такой техники МХАТовская «Чайка», декоративные решетки и приемы Фёдора Шехтеля, который превращает овал-треугольник в спираль. Подобное сочетание – уникально. Вообще овалы и трансформированные овалы в подобии (резанные, симметрично наклоненные, овальные сетки для частей овалов – невидимые овалы) лежат в основе, так называемой, линейности стиля «Ар Нуво» . Они же являются подтверждением его органичности — эллипс вызывает наименьшее раздражение.

Стоит отметить, что стиль «Ар Нуво» имитирует не только внешние формы всего живого, но и его поведение. Такая, во многом еле уловимая, «организменность» является, пожалуй, одним из главных его признаков. Здесь стоит снова вернуться к произведениям и вспомнить его «дом-организм». Есть и другие – более локальные приемы. Например, прием самообвивания. Это самый распространенный способ изображения линий.

При внимательном изучении самых разных произведений искусства, выполненных в стиле «Ар Нуво» , замечаешь присущую лишь данному направлению характерную черту. Это некое мировоззренческое проявление – неживое наделяется жизнью, живое – мертвое и застывшее. От этого становится немного жутковато.

Модерн прекрасен не только в восприятии как единое целое, но и в деталях. Примером может служить прием вытягивания из воображаемой очень густой тонкой, пронизанной волокнами среды. Скрученные предметы, вытянутые таким образом выглядят загадочными и немного пугающими.

Если говорить о пропорциях, то объемы и формы стиля характеризуются небольшой растянутостью, которая, вероятно присуща органическому росту. А принцип образования формы строится на природной геометрии.

Если говорить о цвете в стиле «Ар Нуво» , то он построен на диссонансных парах. Так, оранжевый сталкивается с фиолетовым в серой оправе или пару коричневому составляет белый. По фактуре такому цветовому строю соответствует бронза с темной тонировкой, дерево ореховое и красное, цветной мрамор и, конечно же, фиолетово-синяя глазурь.

Развитие стиля привело к возникновению нескольких его направлений:

1. Неоромантизм, вобравший в себя черты романского и готического стиля.
2. Неоклассический стиль (опирающийся больше на классику – пропорции, гармонию).
3. Рационализм, характеризующийся использованием простых форм, причисляемый в России к авангарду (более позднему стилю).

Следует отметить, что некоторые специалисты в области истории архитектуры полагают, что вышеперечисленные стили являются самостоятельными, тогда как другие все-таки относят их к разновидностям стиля модерн или «Ар Нуво».

Стиль ар-нуво (или арт-нуво) – одно из ответвлений модерна, сочетающее в себе волнистые линии природы, естественные орнаменты и восточные мотивы. Незаслуженно ар-нуво отошел на второй план на фоне модерна, поэтому мы решили восстановить справедливость и отдать лавры самобытному и интересному стилю, о котором и пойдет речь в дальнейшем.

Ар-нуво в архитектуре

Впервые в архитектуре ар-нуво начали активно использовать с конца 19-го века. Сложные, подчас аморфные здания рассекали складчатыми крышами небесную гладь, а необычные мозаики создавали панораму цвета, окрашивающую помещения во все цвета радуги. Основа стиля ар-нуво в архитектуре – создание концепции единого, гармонично и природного пространства: перетекающие линии, каплеобразные формы, богатая ковка из драгоценных металлов, красочные фрески украшали здания храмов, церквей, библиотек, галерей и дорогих отелей, некоторые из которых представлены на изображениях ниже.

Слева на право: Зеркальная галерея в Версале (Франция), Томас Джефферсон Билдинг (Вашингтон), гранд-отель Сьюдад де Мехико (Мехико-Сити).

Ар-нуво в интерьере

Активно стиль ар-нуво в интерьере применяют с начала 20-го века, по сей день его популярность не угасает. Интерьер в стиле ар-нуво не терпит прямых линий и острых углов: плавное и гармоничное «перетекание» предметов мебели, растительные орнаменты в обивке, на картинах и фигуры животных характеризуют этот стиль, как естественный, направленный на единение с натурой.

Прекрасно дополнит интерьер аквариум или фонтан, поскольку главная составляющая ар-нуво – вода. И цвета следует подбирать истинно водные: серебро и золото – имитирующие блеск воды на солнце, лазурь – цвет тропических водных глубин, а также болотистый темно-коричневый и черный. Украсьте стены копиями картин Альфонса Мухи – ярчайшего художника работавшего в этом стиле, и роскошь ар-нуво станет достоянием и вашего жилища.

Мебель в стиле ар-нуво

Мебель ар-нуво должна быть исключительно натуральной, изготовленной из благородных пород дерева и украшенной сложной резьбой. Хорошо обтянуть мягкую мебель шелком, само-собой украшенным природным мотивом. Необычайно удивят ваших гостей и расшитые подушки с кисточками, кованые светильники и мебельная фурнитура. Кофейный столик или буфет можно оформить стеклянной мозаикой, или оклеить стекла мозаичной пленкой. В целом, создайте в комнате эффект первозданной чистоты природы, не тронутой человеком и «солнце» арт-нуво непременно озарит и ваш интерьер.

Сегодня, чтобы отогнать мрачные мысли, мне хочется вам рассказать о чем-то красивом.
Давайте я вам расскажу о модном в моей любимой эпохе стиле «Art Nouveau»:

Этот стиль был моден с конца 19 века вплоть до Первой Мировой войны.
Стиль "арт нуво" - это обворожительные женщины, развевающиеся волосы, текучие ткани, и природные мотивы.

Одним из главных мотивов стиля стало обнаженное женское тело, но не как объект восхищения пропорциями, а как провокация, возбуждающая желания. Женщина, ее профиль и обнаженное чувственное тело стали подлинными эмблемами стиля арт нуво". Недаром традиционные викторианцы находили его бесстыдным и развращенным.

Одним из самых знаменитых художников работавшим в этом стиле был Альфонс Муха - художник истинно парижский, хотя и вырос в Моравии, его афиши, декоративные панно, календари, открытки, обложки журналов и книжные иллюстрации благодаря уже высоко развитой в то время технике репродуцирования стали широко известны и снискали огромную популярность.

Но важнее всего то, что эти композиции с их неистощимым изобилием живописно-орнаментальных элементов и изысканностью каллиграфически прорисованных линий обладали силой, способной сформировать стиль. Будучи типичным воплощением художественных поисков рубежа XIX - XX столетий, "стиль Мухи" стал образцом для целого поколения художников-графиков и дизайнеров.

Его приметой стала идеализированная, стилизованная фигура прекрасной и девически грациозной женщины, свободно, но нерасторжимо вписанная в орнаментальную систему из цветов и листьев, символов и арабесок. Поскольку этот мотив был одним из наиболее широко распространенных в живописи конца столетия, "стиль Мухи" какое-то время считали синонимом движения "ар нуво" в целом.

Но стиль "арт нуво" не ограничивался рисунком. Очень яркий след этот стиль оставил и в ювелирном искусстве. Надо отметить, что наибольший вклад в развитие ювелирики в стиле «арт нуво» внесли художники Франции и США. Конечно, «Новое Искусство» прошлось по всей Европе, не исключая Российскую Империю, но именно французы довели украшения арт-нуво до абсолюта, а американцы сделали из их труда правильные выводы (деньги). Америка традиционно переплавила достижения мастеров Англии и Франции, сочетая местные мотивы американских колонистов и туземных индейских племен. Многие американские производители наладили массовое производство серебряных драгоценностей в стиле арт-нуво, создав изделия, вполне доступные по стоимости для низших классов.

Дело в том, что Франция - единственная европейская страна, где законодательницей мод была не придворная аристократия, а богема, князья полусвета. Истинные дворяне не чурались богемного вкуса, парижский шик отличался именно своей приземленностью и двусмысленным эротизмом. Неумеренная тяга французской элиты к удовольствиям создала для ювелиров спрос на украшения арт-нуво, что позволяло им экспериментировать с материалом и искать для него новые формы.

Интересно, что материалы украшений этого стиля не отличались роскошью - использовался цветной полудрагоценный камень, эмаль, кость. Украшения в этом стиле не претендовали на титул статусных аксессуаров, а были призваны служить выражением чувственной натуры носителя или дарителя. Формализм бриллиантов, их монохромная прямота, с точки зрения арт-нуво, проигрывала богатству красок опалов, лунного камня, халцедона, турмалина, аквамарина и зеленых гранатов. Бриллианты использовались лишь в качестве подсвечивающего фона, как «обертка» для цветных камней. Излюбленной техникой была эмаль, для изготовления которой использовались старые техники и изобретались новые.

Кроме обнаженного женского тела другим основным сюжетом для украшения в стиле арт-нуво стали природные мотивы: цветы, насекомые, змеи и животные. Но теперь они воплощались в свободных, полных воображения формах; насекомые превратились в фантастические создания. Бабочки, стрекозы, цикады, пауки стали изысканными и неповторимыми. Змеи с гибкими телами и радужной чешуей служили символом вечности и сексуальности. Мотивами для украшений стали орхидеи, лилии, ирисы, хризантемы, одуванчики, подсолнухи, маки и чертополох. Растения изображались не только в полном цвету, но и в виде ростков, бутонов и увядающих соцветий, символизируя периоды жизни: юность, зрелость и старость. Павлины, лебеди и ласточки, благодаря своим элегантным формам, как нельзя лучше вписывались в чувственные узоры на разноцветных эмалях.

И наконец, я хотел бы вам рассказать о еще одном воплощении стиля «Art Nouveau» - о архитектуре. Сегодня уже трудно представить, каким шоком был для обывателей этот стиль в архитектуре. Ведь строгость линий и красок, сменилось буйством форм. Все было новым, ярким и вызывающим.
Но, что я буду вам рассказывать – если могу просто показать…

Согласитесь - красиво...
А потом пришел 1914 год – и стиль «Art Nouveau», как и многое другое, не пережил эти страшные годы «подлинного начала двадцатого века»…

Стили Ар-деко и Ар-нуво нередко путают между собой, смешивая их разнородные элементы или вовсе называя их одним и тем же. Чаще всего сейчас встречаются эклектичные интерьеры, вызывающие неоднозначные чувства - вроде все идет по канонам Ар-нуво, но, потом неожиданно где-то блеснет и элемент Ар-деко. Между тем, эти стили имеют весьма существенные различия и даже появились в разный период времени.

Стиль Ар-нуво возник в конце 19 века и являлся ответвлением модерна, можно сказать, что он так и не стал самостоятельным стилем, возможно поэтому по сей день его так любят с чем-то комбинировать.

Стиль Ар-деко сформировался после масштабной парижской выставки 1925 года, на которой были представлены различные предметы новейшего искусства. Позднее он стал символом праздника и свободы, и особенно полюбился молодым людям, которые пытались отвлечься от тягостных мыслей послевоенного времени.

Главным различием этих двух стилей является общая геометричность или плавность форм. Для стиля Ар-деко характерны резкие, изломанные линии и подчеркнутая симметричность, таким образом, стиль отображал общие настроения начала 20 века, когда люди по-прежнему находились в строгих рамках приличий, но в то же время активно пытались бунтовать внутри них. Ар-нуво, напротив, предполагает изгибистые, несколько "текучие" линии, поскольку данный стиль склонял к близости с природой. Характерным узором стиля Ар-нуво считается так называемый "удар бича", придуманный художником Германом Обристом. У Ар-деко подобным фирменным знаком можно назвать Sunburst - солнечные лучи, которые чаще всего проявляются в элементе декора.

Декоративные элементы являются той самой деталью, благодаря которой понимаешь всю суть того или иного стиля, а в данном случае они еще и ключевой элемент их разнородности. Текучесть форм стиля Ар-нуво простирается повсеместно, поэтому для него характерно изображение причудливых, немного сказочных сюжетов в виде картин на стенах, как, например, в работах Альфонса Мухи.

В Ар-деко все более реалистично и сдержанно, а также угловато - сюжеты не отличаются фантазийностью, кроме того, модели выглядят гораздо более современно и несколько мальчишески.

Все дело в том, что в начале прошлого века стали популярны занятия спортом, поэтому приветствовалась спортивная фигура, причем, как у мужчин, так и у женщин. Эта тенденция просматривалась во всех сферах жизни, поэтому интерьеры Ар-деко украшались статуэтками спортсменок атлетичного телосложения. Ар-нуво и здесь сохранял приверженность природному стилю.

Что касается цветовой палитры, то для Ар-деко характерна сдержанность и даже монохромность в цвете, но, в то же время, обилие блеска. Для этих целей применялись хромированные элементы мебели, зеркала, хрусталь. Интерьер в подобном стиле всегда предполагал атмосферу праздника, во время которого можно забыть обо всем.

Начиная с 1880 года вплоть до Первой Мировой Войны, Западная Европа и США становятся свидетелями развития стиля модерн ("Новое Искусство "). Черпая вдохновение из непослушных аспектов естественной природы, Ар Нуво оказывает влияние на искусство и архитектуру, особенно прикладное искусство, художественную графику и книжную иллюстрацию. Извилистые кривые - характерная особенность стиля - были получены, в частности, из ботанических исследований и исследований глубоководных форм жизни таких ученых, как немецкий биолог Эрнст Генрих Геккель (1834-1919), написавшего в 1899 году труд "Kunstformen der Natur " ("Художественные формы в Природе "). Другие публикации, в том числе "Флористический Орнамент " (1849) Готического Возрождения Августуса Уэлби Нортмор Паджин (1812-1852) и "Грамматика Орнамента " (1856) британского архитектора и теоретика Оуэна Джонса (1809-1874), предвосхищали Природу как основной источник вдохновения для целого поколения художников, стремящихся вырваться из оков "старых" стилей. В такой интерпретации стиль модерн с его переплетающимися ажурными линиями может быть понят как метафора свободы и освобождения.

Ар Нуво, стиль модерн, был следствием нескольких происходивших в 19-м веке культурных событий, Дизайн-реформы, как реакция на засилие классического художественного образования и развитие массового производства, стали лейтмотивом "Эстетического Движения ", пропагандирующего возвращение к ручному труду и традиционным технологиям. Отсюда выработалось кредо последователей Ар Нуво: "искусство ради искусства ". Это кредо послужило основой неповествовательных картин, например, "Ноктюрнов" Вислера. Стиль модерн обратился также к элементам традиционного японского искусства ("японизмы "), которые заполонили западные рынки, в основном в виде ксилографических оттисков. Японизмы оказались ценным подспорьем для европейского художника в двух аспектах: двухмерная перспектива японской графики и минималистская концепция декоративно прикладного искусства в сочетании с богатой декорацией. Действительно, спектр художественных тенденций перед началом первой Мировой Войны, в том числе в живописи и раннем дизайне, могут быть отнесены к легкой руке Ар Нуво.

Термин "модерн ", впервые упомянут в 1880-х годах в бельгийском журнале L"Art Moderne, описывающем работы Les Vingt - двадцати художников и скульпторов, стремившихся к реформам через искусство. Les Vingt, как и большинство художественных сообществ по всей Европе и Америке, отметили ведущие теоретики 19-го, такие, как французский неоготический архитектор Эжен-эммануэль Виоллет-ле-Дюк (1814-1879) и британский арт-критик Джон Рескин (1819-1900). Они выступали за единство всех искусств, возражая против сегрегации между изобразительным искусством, живописью и скульптурой и декоративно-прикладным искусством. Под мощным влиянием социальных реалий, дизайнеры стремились достичь синтеза искусств и ремесел. Успешное объединение изобразительного и прикладного искусства было достигнуто такими известными дизайнерами, как Виктор Орта и Генри Ван де Вельде, Чарльз Ренни Макинтош и Маргарет Макдональд, Йозеф Хоффманн и Густав Климт.

Стили живописи, такие, как постимпрессионизм и символизм, имели общие тесные связи с направлениями модерна. Каждый практикующий дизайнер считал свои долгом адаптировать их для прикладного искусства, архитектуры, дизайна интерьеров, мебели и архитектуры.

В декабре 1895 года, уроженец Германии, парижский арт-дилер Зигфрид Бинг, открыл галерею под названием L"Art Nouveau. Хотя галерее приписывают популяризацию движения и связывают его с именем Бинга, стиль модерн достиг международной аудитории главным образом и посредством тиражной графики (издания "Савой", La Plume, Jugend, Dekorative Kunst, "Желтые страницы" и "The Studio"). Например "The Studio" впервые публикует линеарные символические рисунки Обри Бердслея (1872-1898), созданные как иллюстрации к произведению Оскара Уайльда "Саломея" (1894). Эти ллюстрации, выполненные с блестящим заимствованием чисто японский двухмерной пространственной композиции, могут рассматриваться как изюминка "Эстетического движения" и первого проявление вкусов Ар Нуво в Англии. Работы других влиятельных художников-графиков, включая Альфонса Муху , Жюля Чере, и Анри де Тулуз-Лотрека, чье яркое искусство плаката часто превозносит роль женщины, согласно принципу сообщества Бель-Эпок (belle époque society) - "femme nouvelle" ("новая женщина", отвергающая традиционные идеалы женственности, семьи и подчинения). Женские фигуры часто включаются в художественные композиции в качестве фей или сирен, как, например, в ювелирном искусстве Рене Лалик, Жоржа Фуке, и Филиппа Уолферса.

Стиль Ар Нуво исторически связан с Францией. Здесь его называли по-разному: "стиль Жюля верна ", "Le Style Métro " (после того, как Гектор Гимара сделал из железа и стекла входы в метро), "Art belle Epoque ", и "Искусство fin de siècle " (конца века). Однако Ар Нуво захватил воображение публики всего мира на экспозиции Всемирной Выставки в Париже в 1900, организуемой каждые одиннадцать лет начиная с 1798 года. Различные мануфактуры и предприятия продемонстрировали образцы инновационного направления. Впервые демонстрируются уникальные проекты, включая Porte Monumentale entrance - продуманная инженерная конструкция полихромного купола с электрической подсветкой, спроектированная Рене Бине (1866-1911). Также Pavillon Bleu - ресторан рядом с Pont d"Iena у подножия Эйфелевой Башни работы Гюстава Бови (1858-1910). Арт Нуво Бинг представил серию из шести интерьеров, вдохновленных искусством символистов. Павильон Union Centrale des Arts Décoratifs (Объединения декоративно-пригладного искусства) отражал стремления к возрождению и модернизации декоративного искусства в качестве экономического стимула и выражения национальной самобытности. Широкое заимствование декоративных элементов французского рококо в сочетании со стилизованными природными мотивами, фантазия и японское искусство, нашли художественное выражение в образцах мебели, представленных на выставке, как произведения нового вкуса и увековечивавших традиции французских мастеров. Роскошная мебель с инкрустацией позолоченными литыми вставками представлена ведущими краснодеревщиками Жорж-де-Фье (1868-1943), Луи Мажорелем (1859-1926), Эдуардом Колонна (1862-1948) и Эженом Гайар (1862-1933).

После Всемирной Выставки последовали еще две экспозиции, где были представлены работы многих корифеев Европейского модерна. Это были Международная Выставка в Глазго в 1901 году, где среди всего прочего экспонировались проекты павильонов российского инженера Федора Шехтеля (1859-1926), и экспозиция Международной Выставки декоративно-прикладного и современного искусства в Турине в 1902 году.

Подобно Франции, "новое искусство" по-разному именуется в разных странах и культурных центрах Европы. В Бельгии он назывался "Стиль Нуиль " или "Стиль куп де фйе ". В Германии это был "Югендштиль " ("молодежный стиль " с легкой руки популярного журнала Die Jugend). В Испании он был "Модерниста " в честь модернистского движения в Барселоне и его главного сторонника архитектора Антонио Гауди (1852-1926). В Италии - Arte nuova , Stile floreale , или La Stile Liberty в честь лондонской фирмы Liberty & Co. Фирма поставляла восточную керамику и текстиль эстетствующей лондонской знати в 1870 году и производила в английской версии модерна серебряные изделия на основе так называемого Кельтского Возрождения "Кимрик" и "Тутрик" (серебро Арчибальда Нокса, 1864-1933). Еще один крупный центр дислоцировался в Австрии и Венгрии, где назывался Сезессионстил . В России он назывался "Стиль модерн ". В США - "Стиль Тиффани " в честь легендарного "Favrile glass " художника Луиса Комфорта Тиффани.

Хотя в отношении международного размаха век Ар Нуво был недолгим, его накал был предвестником модернизма , который полностью отверг "лишние" украшательства, предпочитал функциональность изяществу, а на использования орнаментации просто наложил табу. Хотя реакция на пересмотр исторических стилей была негативна, модернизм положил конец викторианским излишествам. Вместе с тем влияние Ар Нуво распространилось на многие годы вперед, что особенно заметно в дизайне мебели Ар Деко , где совершенно гладкие поверхности обогащены шпоном экзотических пород дерева и декоративными вставками. Драматизм стиля модерн снова обрел силу в искусстве художественной графики, ставшей популярной в социальных и политических кругах 1960-х годов среди нового поколения, ставящего под сомнение традиционные вкусы и идей.

Ваза. Оливье де Сорра. Керамика. 1885.

Арт Нуво Поттер Оливье де Сорра известно тонкостенной керамикой и кристаллической глазурью. Ваза, формованная в виде стилизованных листьев, покрытая глазурью в оттенках синего неба, представляет технические достижения девятнадцатого века в керамике.

Кувшин. Едуард Колонна. Серебро и железо. 1889.

Это металлический кувшин с витиеватой серебряной ручкой. Изначально глазурирован, что заметно по остаткам синего фона внизу изделия.

Стул. Едуард Колонна. Полиссандр и дамасская обивка. 1889.

Крик. Эдвард Мунк. Литография. 1895.

Знакомство с работами Мунка немного шокирует и их непросто понять. Созданные немногим более 100 лет назад, работы Мунка представляют эмоциональный ряд, в основном негативный: страх, одиночество. Литография "Крик" олицетворяет экзистенциальный ужас, что подкрепляется подписью к работе самого художника:

"Я прогуливался с двумя друзьями. Солнце утонуло за горизонтом. Внезапно небо стало красным, как кровь. Мои друзья ушли далеко вперед, и я остался стоять на мосту один. Я почувствовал, будто вся природа была наполнена одним бесконечным визгом".

Брошь. Производитель Жорж Фуке по дизайну Альфонса Мухи. Золото, эмаль, перламутр, опал, изумруд, цветные камни, золото краска. 1900.

Брошь является отличительной чертой трехлетнего партнерства французского ювелира Жоржа Фуке и чешского художника Альфонса Мухи, чьи работы лучше всего отражают дух декоративных излишеств стиля модерн. Упор сделан на обилие драгоценных камней, но подчеркивается, что красота драгоценного камня зависит от его художественной концепции.

Декоративная панель. Гектор Гимара. Шелк и роспись по шелку. 1900.

Проекты Гектора Гимара представляют собой уникальное видение в стиле модерн, который сложился в Европе как реакция противодействия механистическому миру, порожденному промышленной революцией. Ар Нуво возвращал к естественным органическим формам, включающим чувственные кривые линии. Гимара проектирует интерьеры и декорации к ним как совокупность, в рамках которой внутреннее пространство, включая декор и мебель, соответствует внешней структуре здания.

Кулон. Рене Жюль Лалик. Золото, эмаль, опал, жемчуг, бриллианты. 1901.

Французский Ар Нуво ювелир Рене Жюль Лалик, представлял, возможно, наиболее новаторские и тонкие комбинации эмали и драгоценных камней. Кулон выполнен в форме двух павлинов, стоящих клюв к клюву на треугольном кабошоне опала. Формы павлинов формируются тонкой перегородчатой эмалью в оттенках темно-синего и белого. Перья и хвосты "закручены" ажурными линиями и стилизованы вкраплениями алмазов и синей эмали.

Мэда Примавеси. Густав Климт. Холст, масло. 1912.

Мэда Примавеси - дочь банкира и промышленника Отто Примавеси.

Чайный сервиз. Йозеф Хоффманн. Серебро, эбеновое дерево, аметисты, сердолик. 1910.

До 1900 года Йозеф Хоффманн, как и другие яркие представители модерна, экспериментировал с криволинейными органическими мотивами. Однако, начиная с 1900 года, он внезапно бросает свои эксперименты и обращается к новому революционному течению, основанному на геометрии. И этот чайный сервиз является самым выдающимся примером геометрического направления. Сервиз почти ручной работы, однако, бескомпромиссная экономия Хоффманна наделила изделие совершенно прямыми гранями, выпуклыми крышечками и квадратными ручками. Единственное украшение, за исключением врезных драгоценностей, - тонкая горизонтальная линия выпуклых точек в нижней части каждого предмета.